Giovedì 5 luglio 2012 nella Sala Comunale d’Arte di Trieste (Piazza dell’Unità d’Italia 4) ha avuto luogo l’inaugurazione della mostra personale della pittrice Livia Bussi, intitolata I non luoghi, presentata dall’architetto Marianna Accerboni. La rassegna, che propone quasi una trentina di pastelli su carta realizzati tra il 2007 e il 2011 è visitabile fino al 25 luglio (orario feriale e festivo 10 - 13 e 17 - 20).

C’è un’anima culturale austro-tedesca, probabilmente inconscia - scrive Accerboni - che sopravvive in molti artisti triestini, i cui antenati, se pittori o scultori, frequentarono le Accademie di Monaco, di Berlino e di Vienna tra la fine dell’800 e il primo novecento, raccogliendovi i semi di quella coeva avanguardia internazionale che collegava Parigi a Mosca e al mondo slavo, passando per Trieste, allora in posizione centro-europea.

È così, credo, che si può spiegare l’intenso respiro espressionista che si leva e s’intravvede in molti lavori di artisti locali: tra questi, mi ha sempre particolarmente colpita la traccia di malinconia e d’angoscia che s’insinua nel segno pittorico intenso ed elegante, sobrio e al tempo stesso incisivo, di Livia Bussi, autrice dal temperamento discreto e signorile, che, formatasi in gioventù a Roma, è poi vissuta un trentennio in Piemonte e Lombardia, per poi ritornare nella città natale; e testimoniare nella sua pittura non solo le origini culturali centro-europee, ma anche il dramma dell’esodo dall’Istria, vissuto quasi in prima persona.

Immerso nelle atmosfere rarefatte e nella grazia dei pastelli dai colori soffusi, che ricordano alcuni borghi istriani arroccati sui colli, il sogno, protagonista del linguaggio surrealista, ammanta e intride i suoi lavori su carta: in un sogno di nebbia s’addentrano infatti uomini donne e cani, che a volte corrono, in un’atmosfera onirica, nei prati o verso una nave, simbolo forse dell’agognato ritorno. E, di quando in quando, lo stesso paesaggio si fa notte e nel contempo si fa giorno, componendo visioni straniate, che sorprendono l’astante.

Un simbolismo magico e sottile pervade le opere della Bussi: “Sogno queste atmosfere” confessa l’artista “e talvolta il mattino mi sveglio con esse e le dipingo; mentre i cavalli, ripresi in un delizioso dipinto al galoppo nel bosco, sono evocati nella mia mente dalla musica”.

Disegnatrice ambita da importanti studi d’architettura per la sua abilità nel reinterpretare in modo vivo, originale e fantastico il linguaggio architettonico, la pittrice - conclude Accerboni - ci consegna un universo ricco di suggestione, in bilico tra elementi sensoriali e spirituali, il cui legame è accentuato da quella sorta di memoria e conoscenza universale che aleggia in ognuno di noi 

Nel 1945 a causa di problemi di salute della moglie, chiamata da tutti in famiglia “Mamma Emy”, Egidio, su suggerimento dei medici che gli consigliavano un cambio di residenza in zona montana, si trasferisce assieme a tutta la famiglia a Cercivento (UD) . Vi rimane alcuni anni e in quel periodo porta i sui studi botanici sul piano della sperimentazione: con l’aiuto di un fabbro locale Egidio costruisce un piccolo impianto composto da tre forni, una teleferica per il trasporto del legname, un piccolo acquedotto e la centralina elettrica per un lavoro a ciclo continuo di quattro ore e mezza, che permette di distillare 15 quintali di legna da cui ricavare carbone, acido pirolegnoso ed altri prodotti.

In Carnia il caso vuole che Egidio scopra la passione per il vetro che cambierà per sempre il suo destino e quello della sua famiglia. Durante la riparazione di uno dei forni, Egidio scopre che le pareti si sono vetrificate; lo spettacolo di colori e trasparenze lo appassiona subito. Le emozioni cedono presto il posto all’intuizione: in Egidio si fa strada l’idea di confrontarsi con la materia vetro e di realizzare tramite essa “immortali opere d’arte”.

Messa al corrente “Mamma Emy” e ricevutone il consenso, Egidio torna a Venezia, prende contatto con Murano ma capisce che non può subito lavorare il vetro, prima deve capire come funziona quel mondo artigianale. Trova impiego come agente commerciale; posizione che gli consente di parlare con i maestri vetrai ed osservare attentamente ogni particolare della lavorazione del vetro. Una volta acquisite le tecniche e le conoscenze necessarie, lascia il lavoro di rappresentante per intraprendere definitivamente la strada che lo porterà ad essere il più grande artista del vetro.

All’inizio della sua carriera realizza, da solo, anfore, vasi, coppe, bicchieri e portacenere dalle forme e dalle linee originali e innovative. Questa fase di “sperimentazione solitaria” ha breve durata, il suo intuito gli fa capire che per portare l’arte del vetro ai livelli raggiunti dalla scultura e dalla pittura, bisogna coinvolgere in un progetto di ampia portata gli artisti contemporanei. È necessario che l’arte del vetro proceda su un piano di collaborazione fra più menti, quella del pittore o dello scultore, quella del maestro vetraio e quella di Egidio, l’unico in quel momento ad avere intuito come la grande Arte del Novecento possa abbracciare anche la materia vetro. Sa di poter tradurre dalla tela o dal legno o dal gesso o da qualsivoglia altro materiale le forme dell’arte contemporanea senza decadere in una produzione di semplici “copie” in vetro.

È consapevole di essere in grado di realizzare opere che, con il disegno o la maquette da cui provengono, condivideranno solo l’idea, il pensiero che le ha generate ma, che rispetto a forme, colori, dimensioni, ecc., l’opera in vetro deve trovare un proprio equilibrio, deve seguire la natura che la materia di cui è composta le impone.

Il primo artista a cui Egidio si rivolge è Gino Krayer, un pittore veneziano surrealista, che mette a sua disposizione alcuni disegni. Egidio quindi si reca in una fornace a Murano. Non si deve confrontare solo col vetro ma anche con il maestro vetraio, ma sin da subito riesce ad impostare il lavoro di equipe su un livello di piena collaborazione: grazie alle proprie capacità, crea una perfetta sinergia fra la sua mente, i suoi occhi e le mani del maestro vetraio. La sua capacità di trasferire idee, sia che esse siano semplici o complesse, ai suoi collaboratori gli consentirà di realizzare opere sempre più elaborate ed impegnative.

Le prime opere realizzate riscuotono l’immediata approvazione del pittore. Il successo ottenuto da Egidio spinge Krayer a presentargli un gruppo di artisti veneziani: Fioravante Seibezzi, Armando Tonello, Mario Carraro. Egidio trasforma anche i loro disegni in opere in vetro. Da tutti gli artisti, e questo lo farà sempre con chiunque, nessuno escluso, pretende e ottiene la massima libertà di realizzare le opere nella piena autonomia seguendo esclusivamente quelle che sono le sue idee e le sue intuizioni. Inizia così il periodo del “Centro Studio Pittori nell’Arte del Vetro di Murano”, questo il nome del gruppo di artisti fondato da Egidio e che avrà vita fino al 1955. Vengono allestite anche le prime esposizioni collettive: la prima mostra viene inaugurata a Murano il 18 aprile 1953, poi portata a Treviso, di seguito a Perugia e infine a Roma.

Egidio vuole spingersi oltre, prende forma “La Fucina degli Angeli”, il movimento artistico che fonderà con la collaborazione dei più grandi artisti del ‘900. Mette per iscritto le sue idee di innovazione e di radicale trasformazione dell’Arte del Vetro e le comunica al mondo artistico: scrive decine e decine di lettere ai più famosi artisti dell’epoca, gli risponde, per primo, il pittore austriaco Oskar Kokoschka, la loro prima collaborazione risale al 1952: da un suo disegno Egidio realizza un vaso ad anse invertite chiamato Vaso Baccanti. Pochi anni dopo realizza anche opere su disegno di Le Corbusier: una delle prime è il Bucranio Blu (1954).

Nel 1954 Egidio si reca a Vallauris sulla Costa Azzurra, dove risiede Picasso. Dall’incontro tra i due artisti non nasce semplicemente un accordo di collaborazione ma anche una grande amicizia. Il geniale artista andaluso consegna ad Egidio i disegni del Flamenco, del Centauro e del Giano Bifronte: ne nasceranno i primi capolavori realizzati da Egidio su disegno di Picasso. Negli anni successivi seguiranno nuovi incontri e nuove opere in vetro. Sempre nei suoi viaggi in Francia Egidio diventa amico ed inizia a collaborare con Jean Cocteau, scrittore, poeta, pittore, drammaturgo e regista, e con il poeta Andrè Verdet, entrambi amici di Picasso.

Nel 1955 Egidio pone fine al “Centro Studio Pittori nell’Arte del Vetro di Murano ”, ed apre una propria galleria d’arte a Venezia in campo San Filippo e Giacomo: Jean Cocteau gli dà il nome di “Fucina degli Angeli”. La Fucina non è solo il luogo fisico dove vengono esposte le opere di Egidio e dei suoi artisti ma diventa anche il nome del movimento artistico portato avanti da Egidio.

Trascorrono gli anni ed il nome della “Fucina” comincia ad affermarsi sia a livello nazionale che nei paesi d’Oltralpe, anche grazie all’adesione di nuovi artisti quali Arnoldo Arnoldi, in arte Nagh, Manfredo Borsi, il pittore tedesco Hans Hartung e Marc Chagall.

Nel 1961 Costantini prende contatto con la signora Peggy Guggenheim. Grazie all’aiuto economico, alla stima e all’amicizia, che la celebre e ricca collezionista americana gli dimostrerà in più occasioni, Egidio può dare maggiore slancio alla sua attività di artista, che per altro in quel periodo aveva non poche difficoltà di carattere economico, ed esporre le sue creazioni in tutto il mondo. Egidio fa anche la conoscenza del pittore e scultore tedesco Jean Arp, di cui riscuote subito la fiducia: la loro prima collaborazione porta alla luce l’opera le Tre grazie. Nel 1964 la Guggenheim fa esporre le opere della Fucina nel proprio palazzo e l’anno successivo fa in modo che le porte del Museo d’Arte moderna di New York si aprano alla Fucina degli Angeli.

Il 14 giugno 1966 si inaugurano i locali della nuova sede della Fucina degli Angeli. I nuovi locali vengono ricavati da un ex magazzino in Calle Corona. Il progetto di restauro e di trasformazione e l’esecuzione dei lavori vengono affidati all’architetto Mikuni Omura, suo genero. Fra le sculture esposte nella nuova sede compaiono anche quelle di Max Ernst. L’acqua alta, che si abbatte sulla città di Venezia il 4 novembre 1966, causa gravi danni anche alla sede della Fucina, vanno perse molte opere, disegni lettere, ecc. ma l’aiuto, per risollevarsi dalla difficile situazione, arriva nel 1967 dagli Stati Uniti d’ America: Nelson Rockfeller, in cambio di un’opera a scelta, e l’azienda pubblicitaria Walter Thompson, in cambio della richiesta di quattrocento mascherine in vetro, su disegno di Ernst, garantiscono aiuti economici che permettono di restaurare la nuova sede e di riprendere l’attività. Alla fine dello stesso anno viene realizzata una delle opere fra le più impegnative e difficili L’Immortale, una monumentale scacchiera, frutto della sinergia con l’amico e artista Max Ernst. Egidio realizza anche il Cristo in gloria con l’amico Mark Tobey. Nello stesso anno le due nuove opere vengono esposte a Ca’ Pesaro, il Museo d’Arte Moderna di Venezia. È un altro trionfo: nel periodo di apertura dell’esposizione (22 luglio – 30 settembre 1967), il numero dei visitatori raddoppia. Subito dopo le opere tornano nella risorta sede della Fucina degli Angeli per essere esposte assieme a quelle di Coignard, Dauphin, Krayer, Le Corbusier, Leger, Lobo, Peegen, Picasso, Severini, Tamaki . Nel 1969 Egidio si reca a New York su richiesta dell’amico e pittore Paul Jenkins, esponente dell’arte informale: è l’inizio di un’altra feconda collaborazione. Nel 1970 l’esposizione delle opere della Fucina nel Palazzo Ducale di Venezia riscuote un successo anche maggiore di quello dell’anno precedente. L’avvenimento attira l’interesse del Ministero della Cultura rumeno. Su invito dello Stato rumeno, fra il 1971 ed il 1974, Costantini si reca più volte in quel paese, accompagnato dalla moglie e dal suo entourage per esporre i suoi capolavori e per insegnare agli operai ed agli artisti rumeni le moderne tecniche della lavorazione del vetro. Negli stesi anni stringe amicizia e collabora con Remo Bianco, Giuseppe Capogrossi e con il cileno Matta.

Nella seconda metà degli anni ’70 avviene l’incontro con i rappresentanti dell’arte contemporanea giapponese. Da questa collaborazione prenderanno forma capolavori come le mani di vetro di Tadanori Yokoo o il bosco di Ito Takamici.

Nel Luglio del 1981 iniziano i lavori per la Proposta per una Cattedrale. A causa dei malintesi e delle gelosie dell’ambiente muranese, Costantini si trasferisce a Casale sul Sile nella fornace Vetrofond e, assistito dai maestri vetrai Dei Rossi, Tagliapietra, Ragazzi e Falcier, mette mano al suo ambizioso progetto che comprende una porta in vetro, ferro e legno, un altare in vetro e cristallo, un fonte battesimale sempre in vetro con base in legno, ecc.. La “Proposta” viene allestita per la prima volta nella Sala dei Notari di Palazzo dei Priori a Perugia il 4 Ottobre 1981; alla sua realizzazione partecipano artisti quali John C. Portman (architetto e ingegnere di Atlanta, USA), Robert Sherer (pittore e scultore altoatesino), Reuven Rubin (artista israeliano), Mikuni Omura. Nel 1983, in occasione di Vinmondo, a Pordenone, Egidio allestisce una mostra della Fucina degli Angeli per celebrare l’antica bevanda in tutte le sue sfaccettature. Grappoli d’uva verdi e rossi, disegnati da Robert Wilson, una bottiglia con il tappo raffigurante un volto ebbro di Mario Stefani, una morbida mano che accarezza un grappolo d’uva, di Mario Lupo, il Bacco blu dai riflessi dorati di Picasso, le Baccanti di Kokoschka, ecc. Il 1984 segna il sodalizio con la cultura e l’arte spagnole: vengono esposti a Barcellona 109 pezzi che comprendono sia opere già note sia le opere nuove nate dalla collaborazione con gli artisti Giuseppe Agozzino, Mario Lupo, Luigi Tito, Giulio Turcato e Vanni Viviani. Segue sempre a Barcellona la mostra “Donna, Universo, Armonia”, inaugurata il 3 maggio 1988 presso il Centro del Vetro. Le opere esposte sono il risultato della collaborazione fra Costantini e una trentina di artisti. Vengono esposti i primi Totem in vetro realizzati al mondo, ognuno nato dall’incontro fra l’immaginazione di Egidio e la fantasia di ogni artista.

Nel 1989 Egidio e la sua Fucina degli Angeli sbarcano in Giappone: i capolavori esposti riscuotono un tale apprezzamento che l’amministrazione della regione di Kanazawa decide di acquistare 48 opere (tuttora esposte nel Notojima Glass Art Museum).

Gli anni ’90 sono quelli della definitiva consacrazione di Egidio quale “Maestro dei Maestri” ovvero quale artefice della rivoluzione che ha portato l’arte del vetro al livello delle altre altri figurative.

Tutto il mondo dell’arte riconosce che Egidio Costantini ha saputo insegnare agli altri artisti come trasformare disegni, tele, colori, figure lignee, ecc. in sculture di vetro. È un succedersi di tributi e riconoscenze: i primi sono i Belgi che ospitano nel 1990 a Bruxelles le opere della Fucina. L’evento riscuote una pubblicità internazionale ed un grande successo confermato dalla grande affluenza di pubblico. Nel 1992 è Venezia a voler rendere omaggio ad uno dei sui più grandi artisti: le opere della Fucina vengono ospitate per una seconda volta a Ca’ Pesaro.

È un nuovo e importante successo: i vetri riscuotono l’ammirazione sia della critica che del pubblico. Seguono poi le mostre di Piacenza del 1996, quella di Tel Aviv del 1997, voluta dalla vedova dell’ex primo ministro israeliano Rabin e che, per il successo registrato, viene ulteriormente prorogata.

Egidio realizza nuovi lavori ispirati questa volta esclusivamente alle sue riflessioni di uomo e di artista: nascono così opere come La Scozia, un omaggio alla natura e al paesaggio delle Highlands o come Messico I (1994) e Messico II (1995), due composizioni di figure antropomorfe, la prima di 13 e la seconda di 12, ispirate alla cultura olmeca. Prendono forma anche le collaborazioni con la nipote Emi e suo marito Wright e con sua figlia Egidia: coi primi due realizza Venezia (1990), una composizione formata da una torre, la punta di un campanile e un canale. Da un disegno di sua figlia realizza invece Primavera (1997), una rappresentazione di un prato fiorito. Nel 1996 su idea di Egidio e progetto tecnico di Mikuni Omura vengono costruiti, presso Irving nel Texas (USA), una torre alta 15 metri e una fontana, entrambe in acciaio e vetro. Il 2000 si apre con la mostra di Tolmezzo, seguita tre anni dopo da quella di Innsbruck. E dal 2002 alcune fra le più belle opere della Fucina sono esposte nel Kunstmuseum Walter di Ausburg (Germania).

Egidio Costantini si spegne all´età di 95 nella sua abitazione a Venezia, il 7 ottobre 2007

Chianciano Terme celebra con una mostra l’incontro dell’arte di un grande maestro del Novecento con l’archeologia  “Senza la scoperta del passato, non è possibile la scoperta del presente”. E’ con le parole stesse di Giorgio de Chirico che è possibile svelare il senso dell’incontro tra l’arte del genio metafisico di un grande maestro come de Chirico e l’archeologia.  Un incontro che nella sua ricerca ha esiti sorprendenti e che Chianciano Terme celebra con la mostra molto particolare dal titolo “De Chirico. Il ventre dell’archeologo” che si inaugura il 7 luglio alle 16.30, presso il Museo Civico Archeologico, e resterà aperta fino al 30 settembre. Tra gli eventi di rilievo di ArcheoFest 2012, il festival nazionale dell’archeologia - una produzione Fondazione Monte dei Paschi di Siena e Vernice Progetti Culturali, con il coordinamento scientifico di Fondazione Musei Senesi in collaborazione con il Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Regione Toscana, Provincia di Siena e Comune di Chianciano Terme e la partecipazione dei Comuni di Cetona, Chiusi, Montepulciano, Sarteano, Pienza, San Casciano dei Bagni, Trequanda e dell’Unione dei Comuni della Val di Chiana Senese - la mostra espone accanto ai vasi e ai canopi della collezione, i capolavori del grande artista, quali insoliti ospiti del museo. Un nucleo di nove opere scultoree - in bronzo dorato, argentato e patinato – che risultano di straordinario impatto scenografico contestualizzate per la prima volta in un museo archeologico.  «Giorgio de Chirico – spiega Franco Calarota curatore della mostra -  svela allo spettatore la sua intenzione di frequentare il museo per utilizzare nelle sue opere ogni reperto ed andare così “al di là della fisica”, spostandosi in questo modo al di fuori del mondo a lui attuale in una dimensione che sia appunto Metafisica. Dopo le prime avanguardie il cui obiettivo era quello di rompere con tutto quanto ci fosse di già visto e di già fatto per essere originali ad ogni costo, de Chirico sceglie piuttosto di essere “originario” e di rivolgersi a quell´universo mitologico che affonda le sue radici nel glorioso passato della storia dei popoli del Mediterraneo.  Ma attenzione perché nell´opera di de Chirico il dirigere il vettore verso il passato, non deve essere interpretato come un semplice lavoro di emulazione e recupero di un tempo lontano troppo perfetto per poter essere superato, ma al contrario, Giorgio de Chirico utilizza la rovina o il reperto archeologico allo stesso modo in cui Marcel Duchamp prende un banale oggetto quotidiano per creare i suoi ready-made e cioè: rivendicando un valore estetico ad ogni oggetto e circostanza preesistente a lui.  Quello di de Chirico è senza dubbio un sensazionale ritorno, una rimpatriata nella storia dell´arte che mira non solo a rispolverare la memoria e la tradizione, le ricche immagini nascoste nei magazzini dei musei, pieni di capolavori dimenticati o abbandonati in favore di una modernità “a tutti i costi”, ma anche al nobilitare i luoghi squallidi del presente attraverso il loro inserimento in quelli di un passato illustre».  In contemporanea alla mostra sarà inaugurata anche l’esposizione “Splendori - capolavori dal Museo archeologico di Firenze”. Dalle 21,30 ci sarà anche l’apertura straordinaria del Museo con degustazione di prodotti tipici locali e concerto della Banda "Bonaventura Somma" di Chianciano Terme